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ART & DESIGN

リニューアルオープンしたMoMAで開催中 「Taking a Thread for a Walk(糸を持って出かける)」展

Weaving and fiber arts get the new MoMA treatment

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Denis Doorly / The Museum of Modern Art via AP

改修拡張工事を終え、リニューアルオープンしたばかりのニューヨーク近代美術館(MoMA)で開催中の「Taking a Thread for a Walk(糸を持って出かける)」展。規模こそ小さいが、見落とされがちなウィービング(織物)アートを幅広く取り上げている。

古代と産業革命黎明期における織物を鑑みつつ、この展示ではさらに、バウハウス運動で有名な男性たちの影に隠れてしまった女性たちを含む少数のアーティストたちが、いかにして昔ながらの工芸を新しい方向へ推し進めたかが示される。織物は工芸として進化し続けながらも、より彫塑的な手法を発展させ、1960年代にファイバー(繊維)アートが生まれた。

「テキスタイルという表現手段は長い間過小評価されてきましたが、機能的、彫塑的、そして建築的な形式で、今まさに再び脚光を浴びています」と、アンドリュー・ガードナー氏と共同でこの展示を開催したジュリエット・キンチン氏は語る。

MoMAは、今年の初めに開催された『How Should We Live(私たちはどう生きるべきか)』展で、比較的無名なバウハウスのテキスタイルを展示した。さらにメトロポリタン美術館は最近、フランク・ロイド・ライトがデザインしたテキスタイルを、ニューヨーク植物園は今夏の『Brazilian Modern(ブラジルの近代)』展で、ロバート・ブール・マルクスがデザインしたテキスタイルを展示。ロンドンのテート・モダンも最近、近代のテキスタイルを展示している。

10月21日のMoMAリニューアルオープン記念展示の一つとして一般公開された「Taking a Thread for a Walk(糸を持って出かける)」展は、2020年4月19日まで公開予定だ。

Denis Doorly / The Museum of Modern Art via AP

近代美術と言われてすぐにテキスタイルが思い浮かぶことはないが、ル・コルビュジエ、マティス、ミロなどバラエティ豊かなアーティストが繊維を使った作品を制作したとガードナー氏は指摘する。

この展示名は、アーティストでバウハウスの教授であったパウル・クレーの、 “「taking a line for a walk(線を散歩に連れていく)」ことで絵画にアプローチしろ”という言葉をもじったものだ。アニ・アルバースが学び、一世代の若きアーティストたちにテキスタイルのデザインを教えた総合芸術学校で、その精神はウィービング(織物)に受け継がれた。

「ある場所からほかの場所へ行くことが可能なのと同じように、明確な専門分野から出発することで、常に広がり続ける関係の実現に到達できる……1本の糸の事象をたどって」と、アルバースは1965年の著作『On Weaving』に記している。

この展示では、1920年代から80年代にかけてアルバースが制作したタペストリー、ガッシュ、シルクスクリーン、さらに、1950年代に彼女が使用した織機、その織機で織物を制作する動画が紹介されており、芸術の複雑さを実感できる。

「とても数学的な作業です。1本でも間違えば作品として成立しません」と、ガードナー氏。

Denis Doorly / The Museum of Modern Art via AP

この展示で最初に目を引くのは、織物の歴史を感じさせる6世紀から8世紀ごろのコプト織(おり)だ。MoMAの展示ではお目にかかれない類の代物を寄贈したのは、MoMAの生みの親である3人の女性の一人、リリー・P・ブリスだ。

「インスピレーションを得るために、古代の世界を考察しなければならないという近代の強迫観念がありました」とガードナー氏は説明する。

しかし、この展示の焦点は、バウハウスのテキスタイルと、その多くがアルバースのようにアメリカへ渡り教鞭を取り続けた、バウハウスの教授陣と卒業生の教えを受けたアーティストたちによって制作されたテキスタイルだ。

展示作品の中には、バウハウス初の女性マイスター、グンタ・ シュテルツルが1924年に制作した壁掛けもある。

得意分野として織物を選ぶアーティストがいた一方で、特に女性には、絵画やほかの表現を志望しながらも織物を選ばざるを得ないアーティストもいた、とガードナー氏は指摘する。

「後者たちは、織物を最大限に活用した、つまり、逆境を逆手に取ったのです」。その作品は最近まで、ほかのバウハウスのアーティストたちの作品の引き立て役として取り上げられるにすぎなかった。このように、織物は、ほかの芸術形式と比べ過小評価されてきた。

さらにこの展示は、織物の芸術的かつ工業的反復を通して誕生した繊維アートの歴史をたどり、多くのアーティストたちが二つの表現を同時に追求したことを示している。

マグダレーナ・アバカノヴィッチ作の巨大な壁画サイズの『Yellow Abakan(黄色のアバカン)』(1967-68)のような彫刻的作品を制作することで、テキスタイルアーティストたちは工芸と芸術の間の壁を壊した。ほかにも、エド・ロスバッハ作の繊細なラフィアとレースのかご(1973)とプラスチック製のサンドイッチ袋を熱接合した『Slip Cover for a Computer(コンピューター用カバー)』(1969)、アウレリア・ムニョス作の手染めのサイザルとヤーンのマクラメ編みによる巨大な彫刻的作品『Brown Eagle(茶色の鷹)』(1973)などが展示されており、隣り合って展示されているバウハウスのテキスタイルと視覚的に響き合っている。

多分野にわたるギャラリーを増設した新生MoMAは、半年ごとに展示を入れ替える予定だ。ガードナー、キンチン両氏は、館内のほぼすべてのフロアにテキスタイルが展示されているので、まずこの展示を観てから楽しんでほしいと来場者に呼びかけている。


ニューヨーク(AP通信)

Modestly sized but expansive in scope, the exhibit “Taking a Thread for a Walk” in the newly revamped and enlarged Museum of Modern Art explores the often overlooked art of weaving.

With a nod to weaving in ancient times and at the dawn of the Industrial Revolution, it goes on to tell how a small group of artists, some of them women sidelined by the more famous men in the Bauhaus movement, pushed the age-old craft in new directions. It developed a more sculptural approach, known since the 1960s as fiber arts, even as it continued to evolve as an industrial art.

“The textile media have been underappreciated for many years, and there’s definitely a renewed interest now in textiles as taking functional, sculptural and architectural forms,” says Juliet Kinchin, who co-organized the show with Andrew Garner.

MoMA’s “How Should We Live” exhibit earlier this year featured some relatively little-known Bauhaus textiles; the Metropolitan Museum of Art recently exhibited textiles by Frank Lloyd Wright; the New York Botanical Garden included textiles in its recent “Brazilian Modern” show; and the Tate Modern, in London, also recently showed modernist textiles.

This exhibit, one of the inaugural exhibits of the new MoMA, opened to the public when the museum reopened on Oct. 21, and will remain on view through April 19, 2020.

Although textiles don’t immediately spring to mind when you think about modernist art, Gardner points out that artists as varied as Le Corbusier, Matisse and Miro all created works in fiber.

The exhibit takes its name from a quote by artist and Bauhaus professor Paul Klee, who advised approaching drawing by “taking a line for a walk.” At the multi-disciplinary art school, where Anni Albers studied and taught textile design to a generation of young artists, that spirit carried forth to weaving.

“Just as it is possible to go from any place to any other, so also, starting from a defined and specialized field, can one arrive at the realization of ever-extending relationship . traced back to the event of a thread,” Albers wrote in 1965.

The show includes Albers’ tapestries, gouaches and screen prints from the ’20s through the ’80s, and even a 1950s loom of hers, as well as video footage of weaving being done on her loom, to give visitors an appreciation for the complexity of the art.

“It’s a very mathematical process, and there is no placement of a thread that is accidental or out of place,” says Gardner.

The exhibit opens with a look at the history of weaving, with an ancient Coptic tapestry fragment dating to between the 6th and 8th centuries — not the type of thing one might expect to encounter in a MoMA exhibit. It was donated by none other than Lillie P. Bliss, one of the three founders of MoMA.

“There was a modernist obsession with looking at the ancient world for inspiration,” Gardner says.

But the show’s focus is on textiles of the Bauhaus, and by artists trained by Bauhaus teachers and alumni, many of whom — like Albers — moved to the United States, where they continued to teach.

Works include a 1924 wall hanging by Gunta Stolzl, the only female master at the Bauhaus school.

Gardner points out that while some artists chose weaving as their specialty, others, particularly women, were sometimes consigned to it while preferring painting or other media.

“In these cases, they really made the best of it, and made lemonade out of lemons,” he says. Until recently, their works were only featured as backdrops to works by other Bauhaus artists, a reflection of the relative lack of respect shown to weaving as an art form.

The show also follows the story of fiber arts through its artisanal and industrial iterations, showing that many artists pursued both tracks at once.

Textile artists broke barriers between craft and art by creating sculptural pieces, such as Magdalena Abakanowicz’s enormous, wall-size “Yellow Abakan” (1967-68). Also featured is Ed Rossbach’s delicate raffia and lace basket (1973); Aurelia Munoz’s huge “Brown Eagle” (1973), a sculptural piece of macrame of hand-died sisal and yarn; and another Rossbach work, “Slip Cover for a Computer” (1969), made of plastic sandwich bags heat-bonded together so they visually echo the Bauhaus weaving nearby.

MoMA’s new configuration includes many interdisciplinary galleries, and the museum plans to rotate certain works every six months. Exhibit organizers encourage visitors to use this exhibit as a starting point before taking in other textiles featured on nearly every floor of the museum.


By KATHERINE ROTH Associated Press

NEW YORK (AP)

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